CINEMATECAS LATINOAMERICANAS RESGUARDAN LA MEMORIA FÍLMICA

| ★ CINE |

(★) Cuba.- ¿Qué sería de nuestra identidad sin las imágenes que nos narran? Dos instituciones en Cuba y Chile demuestran que preservar el cine es salvaguardar la memoria colectiva.

Según información del periódico Juventud Rebelde, la Cinemateca de Cuba celebra 66 años de labor ininterrumpida dedicada a la producción, investigación y conservación del cine nacional. Fundada el 6 de febrero de 1960, esta institución ha sido vital para el desarrollo cinematográfico cubano, con logros como la publicación de cinco tomos de la Bitácora del cine cubano y el reconocimiento de la UNESCO como Memoria del Mundo para el Noticiero Icaic Latinoamericano y la Colección de Carteles del Cine Cubano.

Desde el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos destacan que la Cinemateca fue creada con el propósito fundamental de garantizar la protección indefinida del patrimonio cinematográfico nacional, siendo miembro de la Federación Internacional de Archivos de Filmes desde 1963.

Paralelamente, en Chile, el Servicio Nacional del Patrimonio Cultural informa sobre un hito histórico: el Fondo Magallanes Film (1918-1923) fue incorporado al Registro Nacional de la Memoria del Mundo de la UNESCO. Este conjunto documental, rescatado por el cineasta Ronnie Radonich, contiene los registros cinematográficos de nitrato más antiguos preservados por la Cineteca Nacional de Chile.

Según Marcelo Morales, director de la Cineteca Nacional, este reconocimiento valida un trabajo colectivo de preservación que devuelve estas imágenes centenarias a la comunidad, reforzando la importancia de proteger la memoria audiovisual como parte fundamental de la identidad nacional.

Ambas experiencias evidencian que la conservación fílmica trasciende lo técnico para convertirse en un acto de resistencia cultural, donde archivos y cinematecas operan como guardianes de la memoria visual que define lo que somos y de dónde venimos.

CINEASTAS GLOBALES DEFIENDEN LA LUZ CUBANA

| ★ CINE |

(★) Cuba.- Más de un centenar de realizadores internacionales alzan su voz contra el cerco político y reivindican la isla como Faro Cultural del Continente.

Según Juventud Rebelde, más de un centenar de cineastas, productores, actores y académicos de diversos países han expresado su solidaridad con Cuba y rechazado las medidas de hostigamiento imperialista. La proclama, difundida desde plataformas digitales del gremio, destaca que Cuba ha sido refugio para cineastas perseguidos y ha brindado colaboración desinteresada a numerosas producciones internacionales.

Cubaperiodistas señala que los firmantes manifiestan su rechazo a las agresiones y amenazas contra el pueblo cubano, del que se sienten parte. La publicación enfatiza que lo "inusual y extraordinario" de Cuba es su generosidad, dignidad y capacidad de congregar para soñar y pensar en un mundo más justo.

La convocatoria recuerda que desde hace 46 años miles de cinéfilos y cineastas se dan cita en diciembre para celebrar el Nuevo Cine en el Festival de La Habana, y que la Escuela Internacional de Cine y TV, desde su creación en 1986, ha formado generaciones con miradas críticas y emancipadoras.

Entre las primeras firmas figuran reconocidos nombres como Jorge Sanjinés (Bolivia), Damián Alcázar (México), Tristán Bauer (Argentina), Roberto Perpignani (Italia), Tania Hermida (Ecuador), Marta Rodríguez (Colombia) y Susana Molina (Cuba), además de la Federación de Escuelas de Imagen y Sonido de América Latina.

La proclama, que continúa abierta mediante formulario en línea, reafirma: "Cuba sobrevivirá y la esperanza del mundo sobrevivirá con ella", posicionando la defensa cultural como acto de resistencia colectiva ante políticas de aislamiento.

CINEASTAS DE TODOS LOS MUNDOS LEVANTAMOS LA VOZ ANTE LA INTENCIÓN DE CERCAR Y OSCURECER A CUBA

Quienes pertenecemos a la gran familia del cine manifestamos nuestro rechazo a las agresiones y amenazas contra el pueblo de Cuba, del que nos sentimos parte.

“Cuba es una amenaza inusual y extraordinaria” ha dicho Donald Trump. Y ha anunciado que, con las medidas impuestas por su gobierno, “Cuba no sobrevivirá”.

Pero aquí estamos, para afirmar que lo “inusual y extraordinario” de Cuba es su generosidad, su dignidad y su capacidad de congregarnos para soñar y pensar, como Patria Grande, en un mundo más justo y más humano.

Cuba es una extraordinaria fuente de luz para el cine y el audiovisual. Ha dado cobijo a decenas de cineastas exiliados y perseguidos. Ha ofrecido espacios, talento y colaboración desinteresada a centenares de películas y creadores de todo el mundo. Desde hace 46 años, miles de cinéfilos y cineastas nos damos cita en diciembre para celebrar el Nuevo Cine en el Festival de La Habana. Miles de cineastas hemos pasado por las aulas de la Escuela Internacional de Cine y TV, desde su creación en 1986, desarrollando mirada  y voces críticas y emancipadoras. Una inmensa red de creadoras, docentes e investigadoras ha crecido en torno a la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano que, desde Cuba, forja memoria y sentido para el cine del continente. “Así de simple y así de desmesurada” es su tarea, en palabras de su fundador, Gabriel García Márquez.

Inusual y extraordinario, ciertamente.

Para el mundo entero Cuba es una inspiración, nunca una amenaza. Por eso, los hombres y mujeres del cine que nos sumamos a esta proclama rechazamos la intención del gobierno de Donald Trump de cercar y oscurecer a Cuba para someterla; y así como hemos recibido la inusual y extraordinaria solidaridad de Cuba, ponemos ahora nuestra voz para defenderla.

Cuba sobrevivirá y la esperanza del mundo sobrevivirá con ella. 

AQUÍ LAS PRIMERAS FIRMAS:

Jorge Sanjinés - Director y Miembro Fundador de la FNCL- BOLIVIA

Damián Alcázar – Actor – MÉXICO 

Tristán Bauer – Documentalista, ex Ministro de Cultura -

ARGENTINA

Yanara Guayasamín – Documentalista – ECUADOR

Roberto Perpignani – Montador - ITALIA

Alberto Chicho Durant – Cineasta y Miembro Fundador de la

FNCL- PERU 

Juan Carlos Rulfo - Documentalista - MÉXICO

DESENTRAÑAR LA MEMORIA CINEMATOGRÁFICA CHILENA

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(★) Chile.- Una exposición monumental desempolva más de un siglo de cine nacional, revelando cómo el séptimo arte ha sido testigo y cómplice de las transformaciones sociales del país.

Según el Servicio Nacional del Patrimonio Cultural, el Centro Cultural La Moneda inauguró "Cine en Chile. Historia(s) en movimiento", la muestra más completa jamás realizada sobre el cine nacional. Con más de 500 piezas que abarcan desde 1896 hasta la actualidad, la exposición celebra los 20 años del centro cultural y el primer año de la Cineteca Nacional como parte del patrimonio estatal.

La curaduría, a cargo de la antropóloga María Paz Peirano y del director de la Cineteca Nacional, Marcelo Morales Cortés, propone una lectura del cine como experiencia cultural compartida. Según Xinhua, la exposición destaca el profundo vínculo del séptimo arte con la vida social, política y cultural chilena en diferentes épocas, integrando materiales de más de 30 instituciones públicas y privadas.

La directora del Serpat, Nélida Pozo Kudo, enfatiza que el cine chileno es un patrimonio vivo que ha registrado tensiones, acompañado luchas y celebraciones. La muestra incluye desde dispositivos históricos como un zoótropo y una cámara de 1919, hasta objetos icónicos como la bicicleta de "Machuca" y los Oscar de "Historia de un oso" y "Una mujer fantástica".

Según la Revista de Educación, la exposición gratuita estará disponible hasta el 31 de mayo, ofreciendo un recorrido cronológico que va desde las primeras filmaciones en Iquique en 1897 hasta producciones contemporáneas. La directora ejecutiva del CCLM, Regina Rodríguez, señala que la muestra invita a entender el cine como lenguaje que ha acompañado los cambios del país, permitiendo mirar la historia desde nuevas perspectivas.

La exposición incorpora medidas de accesibilidad y actividades complementarias que refuerzan su vocación pública, posicionando al cine como espacio de encuentro y reflexión colectiva sobre la identidad nacional.

DESAFIAR LA MANO DEL DIABLO: LA REBELIÓN ZURDA DE TAIWÁN

| ★ CINE |

(★).- ¿Puede una mano izquierda convertirse en símbolo de resistencia contra siglos de tradición patriarcal?

Según la crítica de El País, "La chica zurda" de Shih-Ching Tsou emerge como un relato familiar luminoso que enfrenta supersticiones ancestrales en Taiwán. La directora, colaboradora histórica de Sean Baker, regresa a su tierra natal para narrar la historia de tres mujeres -una madre divorciada y sus dos hijas- que desafían el patriarcado y la creencia de que usar la mano izquierda es "la mano del diablo".

El diario español destaca cómo Tsou, filmando con iPhones, captura la vida frenética de Taipéi desde la perspectiva infantil de la hija menor, creando una obra que "exhala admirable aroma a trabajo de Baker" quien coescribió y montó la película. La producción independiente, con apenas 3.000 dólares de presupuesto inicial, mantiene ese espíritu marginal que caracterizó el debut conjunto de Tsou y Baker hace dos décadas.

Página 12 menciona el estreno en Netflix de la cinta, aunque señala que su empatía y calidez "se diluyen" en algún momento del desarrollo. La película establece un paralelismo entre la lucha familiar y el trabajo de la hija mayor, quien vende nueces de betel -un estimulante cancerígeno- vestida con ropas sexys, mostrando así las contradicciones de una sociedad que obliga a transitar entre tradición y supervivencia.

Más allá del conflicto generacional, "La chica zurda" se revela como manifiesto feminista donde tres "valientes que prefieren elegir su camino con dignidad" confrontan no solo supersticiones sino estructuras sociales arraigadas. La zurdera se transforma así en metáfora potente de disidencia, donde lo personal deviene político en el seno de una familia taiwanesa contemporánea.

>>> También puedes verla en el portal Cine Rojinegro

REFORMA LABORAL: EL ATAQUE NEOLIBERAL QUE QUIERE MATAR AL CINE NACIONAL

| ★ POLÍTICA Y CINE|

(★) Argentina.- La cultura argentina enfrenta su momento más crítico desde la última dictadura.

El proyecto de reforma laboral que impulsa el gobierno de Javier Milei contiene dos artículos letales para el cine nacional. El artículo 195 propone derogar puntos clave de la Ley de Fomento de la Actividad Cinematográfica Nacional, al tiempo que el artículo 196 busca eliminar gravámenes a servicios de comunicación audiovisual que financian instituciones culturales. Esta maniobra representa un desfinanciamiento directo y sistemático de la industria cinematográfica argentina, que funciona desde 1957 con el INCAA como eje central.

El sistema actual, creado en 1994, se nutre de un 10% de la venta de entradas de cine, un 10% de comercialización de videogramas y un 25% de sumas del ENACOM. La aprobación del artículo 195 eliminaría este fondo, dejando al instituto completamente dependiente de un presupuesto estatal que ya presenta un recorte de 19.000 millones respecto a lo estimado. Vanesa Pagani, presidenta de APIMA, advierte que la derogación favorecería al sector privado en detrimento del financiamiento del audiovisual argentino, que genera empleo de calidad e inversión nacional e internacional.

En paralelo, desde la llegada de Milei al poder, el INCAA ya modificó la cuota de pantalla, eliminó la "media de continuidad" y disolvió el Comité de Precalificación, afectando el mecanismo de cofinanciación público-privada. Este sistema, similar al de España, Francia, Brasil y Uruguay, funciona como coinversión y ha demostrado su eficacia durante décadas. El director del INCAA, Juan Schnitman, es contundente: "No hay ningún beneficio para el contribuyente, solo daño para la industria cinematográfica, que está tratando de sobrevivir como puede".

El sector audiovisual convocó a movilización frente al cine Gaumont para el 11 de febrero, día en que se tratará la reforma en el Congreso. En un comunicado conjunto, las entidades del sector advierten: "Para el conjunto de las entidades del sector, esta medida significa la muerte del cine nacional tal como lo conocemos". La batalla por la cultura argentina se juega en estos días, y el desenlace marcará si el cine nacional sobrevive o sucumbe ante el ajuste neoliberal más brutal de las últimas décadas.

LA FRONTERA QUE CANTAN LOS MIGRANTES: UNA RESPUESTA CULTURAL LATINOAMERICANA

| ★ CINE |

(★) Brasil.- La muestra cinematográfica fronteriza revela cómo el arte construye puentes donde el neoliberalismo impone muros.

En la región gaucha de Brasil, donde las fronteras políticas se dibujan sobre mapas pero las identidades culturales se entretejen en la vida cotidiana, la 17ª Mostra Regional da Fronteira emerge como contrapunto radical a las políticas migratorias restrictivas que dominan el discurso hegemónico. Al tiempo que gobiernos conservadores criminalizan la movilidad humana, este festival cinematográfico convierte las experiencias migrantes en protagonistas de su narrativa cultural.

El cortometraje "Canción Imigrante" sintetiza esta postura latinoamericana distintiva: tres músicos de Venezuela y Costa de Marfim encuentran en Porto Alegre no solo refugio, sino un espacio creativo donde sus tradiciones musicales dialogan para generar nuevas expresiones artísticas. La obra documental, dirigida por Cleverton Borges y Pedro Guindani, rechaza el discurso victimizante para mostrar la potencia transformadora de quienes cruzan fronteras. En paralelo, la programación incluye múltiples miradas regionales que cuestionan desde la identidad de género hasta las violencias estructurales.

Esta perspectiva contrasta dramáticamente con las políticas migratorias del régimen Trump y sus réplicas regionales, que construyen narrativas de amenaza y exclusión. Por otra parte, la muestra fronteriza brasileña opera desde la lógica inversa: la migración como enriquecimiento cultural, el encuentro como posibilidad creativa, la diversidad como patrimonio colectivo. La investigación musical que sustenta el documental no busca folclorizar diferencias, sino documentar cómo músicos de distintos orígenes desarrollan "un dialecto propio" que trasciende barreras lingüísticas.

La producción cinematográfica regional demuestra que, frente al individualismo competitivo del modelo neoliberal, los pueblos latinoamericanos siguen tejiendo redes de solidaridad creativa. Estas expresiones culturales fronterizas constituyen resistencia política: afirman que las identidades no se definen por pasaportes sino por intercambios, que las fronteras son porosas para el arte aunque los estados las fortifiquen para las personas. En un continente fracturado por desigualdades, estas iniciativas culturales mantienen viva la utopía de una integración desde abajo, construida no por tratados comerciales sino por encuentros humanos y creaciones compartidas.

EL CINE PARAGUAYO QUIERE CONQUISTAR LA BERLINALE CON "NARCISO"

| ★ CINE |

(★) Paraguay.- Marcelo Martinessi regresa al festival alemán con una película que desentraña deseos ocultos bajo la dictadura stronista.

Según los medios paraguayos, "Narciso", el nuevo largometraje de Marcelo Martinessi, tendrá su estreno mundial en la 76ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, específicamente en la sección Panorama dedicada a descubrir "lo nuevo y lo indómito" del cine contemporáneo. La película marca el regreso del director a la Berlinale tras el éxito de "Las herederas" en 2018, que obtuvo dos Osos de Plata.

La producción es una coproducción sin precedentes que involucra a siete países: Paraguay, Brasil, Portugal, Alemania, España, Francia y Uruguay, con apoyo del Programa Ibermedia. Inspirada libremente en la novela de Guido Rodríguez Alcalá y en la vida del locutor Bernardo Aranda, la trama se desarrolla en la Asunción de 1959, durante la consolidación del régimen de Alfredo Stroessner.

El filme sigue a Narciso Arévalos, un joven apasionado por el rock and roll cuya muerte desata una trama que expone deseos ocultos y opresión política. La banda sonora combina clásicos del rock de los años 50 con piezas emblemáticas del repertorio popular paraguayo, creando un cruce entre identidad local y resonancia universal.

El elenco está encabezado por Diro Romero, con participaciones especiales del argentino Nahuel Pérez Biscayart y la española Mona Martínez. La producción destaca por su minucioso trabajo de reconstrucción histórica, filmada íntegramente en Asunción con un equipo de 60 profesionales.

La selección en la Berlinale reafirma el crecimiento del cine paraguayo y demuestra cómo las historias locales, abordadas con audacia artística, pueden dialogar críticamente con el tiempo presente desde una mirada singular.

FESTIVAL DE CINE GLOBAL DESPLIEGA MEMORIA Y RESILIENCIA DOMINICANA

| ★ CINE |

(★) Rep. Dominicana.- La decimoctava edición del certamen cinematográfico convierte a Santo Domingo en espejo cultural del Caribe con más de 160 películas que exploran identidad, exilio y resistencia.

Según información recopilada de múltiples medios dominicanos, el Festival de Cine Global de Santo Domingo inaugura su edición número 18 del 28 de enero al 4 de febrero de 2026 con una programación que supera los 160 filmes. La apertura estará marcada por el estreno mundial de "Milly, la reina del merengue", dirigida por Leticia Tonos, que narra la vida de la cantante Milly Quezada y su experiencia migratoria durante la guerra civil dominicana de 1965.

De acuerdo con reportes de DiarioDigitalRD, el festival ha trascendido su carácter de evento cinematográfico para convertirse en "el espejo cultural de la República Dominicana". La edición está dedicada a la escritora dominico-estadounidense Julia Álvarez, figura central que representa la diáspora latinoamericana, y rendirá homenaje también a la actriz y cantante Cecilia García.

La Conexión USA destaca que el certamen incluirá el documental "They Called Us Trujillo's Jews", que aborda páginas poco conocidas de la historia dominicana sobre refugio y exilio. Mientras, De Último Minuto señala que Hungría será el país invitado de honor, estableciendo un puente cultural entre Europa y el Caribe.

El director ejecutivo Omar de la Cruz, según Diario Octubre, enfatizó el compromiso del festival con el cine como herramienta de reflexión cultural y diálogo entre naciones. La programación incluye seis competencias que reconocen el talento emergente, incluyendo las categorías Ópera Prima Animación Carlos Cabral y Ópera Prima Documental Fernando Báez.

La alianza con Caribbean Cinemas garantiza proyecciones de calidad en salas comerciales, mientras que el Teatro Nacional Eduardo Brito será el epicentro de las actividades principales. Más que un evento taquillero, el festival se consolida como espacio colectivo donde la memoria histórica y la identidad caribeña encuentran expresión cinematográfica.

HANGAR ROJO: LA MEMORIA QUE INTERPELA A LAS NUEVAS DEMOCRACIAS

| ★ CINE |

(★) Chile.-  ¿Qué valor tiene la experiencia histórica cuando las autoridades electas cuestionan el pasado que las precede?

La película chilena "Hangar Rojo" del director Juan Pablo Sallato, seleccionada para competir en el Festival de Cine de Berlín 2026, emerge como un artefacto cinematográfico que tensiona la relación entre memoria histórica y poder político contemporáneo. Según la información de Cooperativa, la cinta se ambienta durante el Golpe de Estado de 1973, un período traumático que hoy adquiere nuevas resonancias ante el contexto político chileno actual.

La obra cinematográfica se presenta en un momento donde las autoridades democráticamente electas cuestionan el valor de la experiencia histórica colectiva. La película no solo reconstruye un pasado doloroso, sino que lo convierte en un espejo que refleja las tensiones del presente, interrogando sobre qué memorias se preservan y cuáles se silencian en los procesos de transición política.

El hecho de que "Hangar Rojo" compita en Berlín -uno de los festivales más prestigiosos del cine mundial- otorga visibilidad internacional a esta reflexión sobre la memoria chilena. 

En un escenario donde figuras vinculadas al pasado autoritario asumen roles en el nuevo gobierno, la película adquiere una urgencia particular. No se trata solo de recordar, sino de cuestionar cómo las democracias contemporáneas procesan sus historias traumáticas y qué lugar otorgan a las experiencias de quienes vivieron esos períodos.

La memoria, según sugiere esta obra, no es un archivo estático sino un territorio en disputa donde se definen las identidades colectivas y los proyectos de futuro. "Hangar Rojo" se erige así como un acto de preservación cultural que desafía los intentos de reescritura histórica, reivindicando el valor político del arte como custodio de la verdad colectiva.

PROYECTAR RESISTENCIA: EL CINE COMO PUENTE ENTRE PALESTINA Y CUBA

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(★) Cuba.- ¿Puede un documental sobre estudiantes palestinos en La Habana convertirse en símbolo de solidaridad internacional en Mollet del Vallès?

Mollet del Vallès inaugura este sábado 24 de enero su 18º Ciclo de Cine Cubano con "La Raíz del Olivo", documental que entrelaza las historias de cinco palestinos que encuentran en Cuba un refugio para su resistencia. Según Cubainformación, la proyección gratuita en el Centro Cultural La Marineta contará con la presencia del Consulado de Cuba en Barcelona y el concejal de Solidaridad del Ayuntamiento.

El documental del boliviano Sergio Eguino Vieira, según información de teleSUR, narra las vidas de cuatro estudiantes de medicina palestinos becados por Cuba y un residente que perdió a 140 familiares en lo que el medio describe como "genocidio sionista". Según Resumen Latinoamericano, la cinta ya emocionó al público en el Festival DOCA de Buenos Aires, donde se destacó como herramienta de visibilización de la causa palestina.

La presentación estará a cargo del activista Manu Pineda, reforzando el carácter político del evento. El ciclo, que forma parte de la Fiesta Mayor de Invierno, reafirma el compromiso de Mollet con la cultura como vehículo de solidaridad internacional, transformando la sala de cine en espacio de encuentro entre dos luchas hermanadas por la resistencia anticolonial.

El olivo, símbolo central del documental según teleSUR, representa no solo la tierra palestina sino también la memoria cultural que persiste como acto de resistencia. La proyección en Mollet convierte así al municipio catalán en eslabón de una cadena solidaria que une La Habana, Buenos Aires y ahora el Vallès Oriental, demostrando que el cine puede ser trinchera cuando narra desde el compromiso colectivo.

REVIVIR EL CINE REVOLUCIONARIO: UNA MEMORIA COLECTIVA QUE RESISTE

| ★ CINE |

(★).- ¿Puede el cine de resistencia convertirse en el espejo donde una nación se reconoce a sí misma?

Según la información del portal Vietnam.vn, el Instituto de Cine de Vietnam está organizando un programa especial de proyecciones en el Cine Ngoc Khanh de Hanoi para celebrar el 14º Congreso Nacional del Partido Comunista de Vietnam. Esta iniciativa busca revitalizar el llamado "Cine Revolucionario", un género cinematográfico que documentó y acompañó las luchas históricas del pueblo vietnamita.

La programación, que se desarrolla en la calle Kim Ma del distrito Giang Vo, representa más que una simple retrospectiva fílmica. Según el medio, se trata de un esfuerzo por mantener viva la memoria colectiva a través de imágenes que capturaron momentos fundacionales de la identidad nacional. El cine revolucionario vietnamita no fue solo entretenimiento, sino una herramienta de educación política, un registro testimonial y un instrumento para forjar conciencia social durante períodos de transformación histórica.

Lo interesante de esta iniciativa es cómo se enmarca dentro de un contexto político específico: la preparación del importante congreso partidario. Esto sugiere que, para las autoridades culturales vietnamitas, el cine revolucionario sigue siendo relevante como vehículo para transmitir valores y narrativas nacionales a nuevas generaciones. La elección del Cine Ngoc Khanh como sede no es casual: se trata de un espacio emblemático que ha sido testigo de décadas de producción cinematográfica nacional.

El programa se presenta como parte de una serie de actividades culturales que incluyen conciertos como "Aspiraciones de Primavera" y otros eventos que buscan conectar el patrimonio cultural con las aspiraciones de desarrollo nacional. Según la cobertura del medio, existe un esfuerzo consciente por utilizar las expresiones artísticas como puente entre el pasado revolucionario y las metas futuras del país.

Esta revitalización del cine revolucionario plantea preguntas fundamentales sobre el papel del arte en la construcción de memoria colectiva. ¿Cómo se actualizan las narrativas históricas para audiencias contemporáneas? ¿Qué lugar ocupa el cine político en una era de entretenimiento globalizado? La iniciativa vietnamita sugiere que, más allá de su valor histórico, este cine mantiene su potencia como herramienta para reflexionar sobre la identidad nacional y los proyectos colectivos.

La programación se desarrolla en un momento donde Vietnam está definiendo, según expertos internacionales citados por el medio, su papel como potencia media con aspiraciones de prosperidad para 2045. En este contexto, el cine revolucionario reaparece no como nostalgia, sino como referencia para imaginar futuros posibles desde las lecciones del pasado compartido.

El film "Túneles: El Sol en la Oscuridad" ha capturado la atención del público vietnamita tras su estreno, destacándose por su representación realista de la guerra y su mensaje humanístico profundo. La producción se presenta como un pequeño pero poderoso fragmento de la historia nacional, retratando lo que medios locales describen como "una parte dolorosa pero gloriosa" del pasado vietnamita.

A diferencia de las producciones bélicas convencionales, esta película opta por un enfoque más íntimo y reflexivo, evitando los despliegues espectaculares para centrarse en la experiencia humana dentro del conflicto. El título mismo sugiere una metáfora potente: la búsqueda de luz en los espacios más oscuros de la historia reciente.

CINE COLECTIVO: LA PLATA SE TRANSFORMA EN UNA GRAN PANTALLA AL AIRE LIBRE

| ★ CINE |

(★) Argentina.- La Municipalidad de La Plata despliega una red de cine gratuito que convierte plazas, clubes y centros culturales en espacios de encuentro comunitario durante enero y febrero. Según la programación oficial, el ciclo busca democratizar el acceso a producciones nacionales e internacionales mientras revitaliza el uso del espacio público.

La agenda incluye desde clásicos como "El secreto de sus ojos" hasta éxitos recientes como "Intensamente 2", con funciones distribuidas estratégicamente en barrios como Villa Elvira, City Bell, Arana y Los Hornos. Los centros culturales Islas Malvinas y Estación Provincial también serán sedes clave de esta iniciativa que transforma la ciudad en un gran cine abierto, promoviendo la convivencia y el disfrute colectivo bajo las estrellas platenses.

La agenda de enero del cine gratuito en La Plata

Miércoles 7 – 19.00: Belén

Club Almagro (80 entre 121 y 122, Villa Elvira)

Jueves 8 – 19.00: El secreto de sus ojos

Plaza Mitre (464 y 14 bis, City Bell)

Viernes 9 – 19.00: Belén

Calle 641 entre 7 y 8 (Sicardi/Garibaldi)

Viernes 16 – 19.00: Intensamente 2

Plaza El Recreo (637 y 131, Arana)

Viernes 16 – 20.30: La Frecuencia Kirlian: La serie completa

Centro Cultural Estación Provincial Meridiano V (17 y 71)

Domingo 18 – 20.30: Alemania

Centro Cultural Islas Malvinas (19 y 51)

Jueves 22 – 19.00: 3000 km en bicicleta

Parque Mercante (60 y 145, Los Hornos)

Viernes 23 – 19.00: 227 lunas

Club San Jorge (424 y 8, Villa Elisa)

Viernes 23 – 20.30: Volver al futuro

Centro Cultural Estación Provincial Meridiano V (17 y 71)

Sábado 24 – 19.00: Sonic 2

Plaza Juan Manuel de Rosas (424 y 222, El Peligro)

Domingo 25 – 20.30: La noche sin mí

Centro Cultural Islas Malvinas (19 y 51)

Viernes 30 – 19.00: Joven depredador

Plaza La Vieja Estación (414 bis entre 144 y 145, Arturo Seguí)

Sábado 31 – 19.00: La dicha en movimiento

Club Dardo Rocha (5 bis entre 519 y 520, Ringuelet)

DESAFÍO CARBÓN: LA MINERA TRANS QUE REVOLUCIONÓ LA PATAGONIA

| ★ CINE |

(★) Argentina.- ¿Qué sucede cuando una mujer trans decide enfrentar los mitos ancestrales de la minería patagónica con un pico y una pala?

Según la crítica de EscribiendoCine, "Miss Carbón" rescata la historia real de Carla Antonella Rodríguez, conocida como Carlita, la primera mujer trans que trabajó en una mina de carbón en la Patagonia. La película dirigida por Agustina Macri muestra cómo Carlita prefirió enfrentar la dureza del subsuelo antes que la hostilidad de una sociedad que dudaba en aceptarla.

Página 12 destaca que el film es una crónica de resiliencia y superación que se desarrolla en el híper machista universo minero, donde durante décadas las mujeres solo podían ingresar a la mina una vez al año, el 4 de diciembre, Día de Santa Bárbara, con fines turísticos.

Tiempo Sur informa que la película, premiada en el Festival de Cine de Roma con el Premio Sorriso Diverso, fue filmada durante seis semanas entre el País Vasco y la Patagonia argentina, específicamente en Río Turbio, Santa Cruz. El jurado del festival definió al film como "un relato combativo que combina pasión dramática, imágenes kitsch y una majestuosa estética paisajística".

La producción hispano-argentina, que ya está disponible en Netflix, incluye referencias a la sanción de la Ley de Identidad de Género y aborda la violencia estructural que atraviesa al colectivo trans, mencionando incluso el transfemicidio de Marcela Chocobar ocurrido en Río Gallegos en 2015.

Lux Pascal, en su debut protagónico cinematográfico, logra transmitir según EscribiendoCine la vulnerabilidad y firmeza de un personaje atravesado por contradicciones internas y resistencias externas. La película se inscribe en una corriente de cine marginal que busca narrar historias reales de exclusión y perseverancia, mostrando que es posible hablar de diversidad desde un cine comprometido con lo social.

DESAFIAR EL SISTEMA: LA REVOLUCIÓN COLECTIVA DEL CINE

| ★ CINE |

(★).- La nueva película de Paul Thomas Anderson demuestra que el arte se construye en comunidad, incluso cuando el presupuesto supera los 140 millones de dólares.

Según la crítica de Sebastián Zavala Kahn en Me Gusta el Cine, "Una batalla tras otra" es un thriller épico que mezcla lo absurdo con lo serio, inspirado en la novela "Vineland" de Thomas Pynchon. La cinta presenta a Bob (Leonardo DiCaprio), exmiembro de un grupo revolucionario que debe proteger a su hija Willa del coronel Lockjaw (Sean Penn), un militar racista obsesionado con vengarse de la familia. La película critica el tratamiento a migrantes y la mentalidad fascista, mostrando cómo los ideales revolucionarios pasan entre generaciones.

Pero lo más revelador viene del proceso creativo. Según Espinof, Benicio del Toro llegó tarde a la producción y su participación cambió radicalmente el final. DiCaprio reveló que paralizaron la filmación dos meses esperando al actor, quien llegó con ideas precisas sobre su personaje Sensei Sergio St Carlos. Del Toro cuestionó que Bob matara a alguien del círculo de Lockjaw, argumentando que esto no encajaría con la moralidad de su personaje ni ayudaría al protagonista.

Esta intervención colectiva transformó el tercer acto en un "viaje por carretera completamente independiente", según DiCaprio. Anderson demostró flexibilidad al reconocer una buena idea, reconstruyendo sets en dos días para adaptarse a la nueva visión. El baile icónico de Del Toro durante una escena policial surgió espontáneamente del actor, mostrando cómo la magia del cine nace de la colaboración.

La película, que ya es favorita en la carrera por los Oscar tras recaudar más de 203 millones, prueba que incluso en Hollywood las mejores revoluciones son colectivas.

>> Puedes verla en la Plataforma de Cine Rojinegro

DESCUBRIR EL PARAÍSO EN LO COTIDIANO: EL DEBUT QUE CONVIRTIÓ A JARMUSCH EN AUTOR DE CULTO

| ★ CINE |

(★).- ¿Qué sucede cuando un director se niega a seguir las fórmulas de Hollywood y encuentra la poesía en la apatía existencial?

Según el análisis de Espinof, "Extraños en el paraíso" (1984) representa el manifiesto fundacional del cine de Jim Jarmusch, donde el director estadounidense estableció su estilo minimalista y su particular sentido del humor seco. La publicación destaca cómo esta película de apenas 90 minutos se convirtió en referente del cine independiente al rechazar las narrativas convencionales y centrarse en personajes errantes atrapados entre la rutina y el deseo de cambio.

La obra sigue a Willie, su prima Eva y su amigo Eddie en un periplo por Nueva York, Cleveland y Florida, pero según Espinof, Jarmusch subvierte la idea del viaje transformador: los personajes arrastran sus mismos hábitos y errores independientemente del escenario. Esta visión colectiva del desarraigo refleja una crítica sutil al sueño americano, mostrando cómo la vida de la clase trabajadora mantiene sus rutinas vacías más allá de los cambios geográficos.

El medio resalta cómo el director utilizó tomas fijas prolongadas, diálogos con silencios significativos y un reparto sin caras conocidas para crear inmersión. En un contexto donde el cine independiente de los 80 buscaba definirse como alternativa vibrante, Jarmusch optó por el minimalismo narrativo y un cierre abierto sin epifanías ni redenciones milagrosas.

Esta honestidad en retratar la deriva existencial, unida al humor que surge de la repetición y el absurdo cotidiano, convirtió a "Extraños en el paraíso" en un referente del cine de autor norteamericano. La película demuestra cómo lo colectivo -la experiencia compartida de personajes atrapados en rutinas- puede convertirse en material cinematográfico extraordinario cuando se observa con la mirada precisa de un autor que encuentra el paraíso en lo aparentemente banal.

>> Puedes verla en la Plataforma de Cine Rojinegro

BARACOA: EL REGRESO COLECTIVO A LA ESENCIA CUBANA

| ★ CINE |

(★) Cuba.- Una road movie que reconcilia mundos opuestos y cuestiona qué significa ser cubano en tiempos de aceleración.

Según Radio Florida, la película "Baracoa" de Luis Ernesto Doñas representa un viaje de retorno a la primera villa fundada y a la cubanía esencial. Esta ópera prima, premiada en el 46 Festival de Cine de La Habana, funciona como un drama con situaciones cómicas donde la realidad diversa e impredecible de Cuba hace inevitable el humor.

Juventud Rebelde destaca que Doñas, tras siete años sin hacer cine, regresa con una coproducción italo-cubana que abraza ambas naciones tanto en producción como en narrativa. La historia sigue a dos personajes opuestos -un italiano y un cubano- en un viaje físico y espiritual hacia Baracoa, donde promesas por cumplir y heridas por sanar se entrelazan con paisajes intensos y encuentros transformadores.

El director explica que el filme retoma el tiempo y la paciencia necesarios para entender la identidad cubana, valores que la rapidez de la rutina cotidiana tiende a olvidar. Con un elenco que incluye a Giancarlo Giannini, Carlos Luis González y Yadier Fernández, la película celebra el arte colectivo y la convergencia intercultural.

Doñas valora especialmente el proceso de creación colectiva, donde equipos mixtos italo-cubanos enfrentaron huracanes, apagones y terremotos durante el rodaje, insistiendo en filmar en locaciones reales para dar alegría a zonas afectadas por fenómenos naturales. La música original de Bárbara Llanes, interpretada por la Orquesta de Cámara dirigida por Daiana García, completa esta experiencia sensorial que busca reconciliar lo surrealista con lo tierno.

"Baracoa" emerge así como un testimonio cinematográfico sobre la identidad, el amor, la amistad y la aceptación, donde mundos opuestos encuentran reconciliación en el viaje compartido hacia la esencia colectiva.

CINE IBEROAMERICANO CONQUISTA PANTALLAS CHINAS

| ★ CINE |

(★) Internacional.- ¿Qué sucede cuando el cine latinoamericano y español encuentra un público masivo en el mercado cinematográfico más grande del mundo?

Según el análisis de Jimena Li Yu para Diario Red, el cine iberoamericano está experimentando un notable éxito en los principales festivales internacionales de China durante 2025. En un mercado que alcanzó una recaudación de 502 mil millones de yuanes (más de 7 mil millones de dólares) con cerca de 1.194 millones de espectadores, las producciones de países hispanohablantes y lusófonos están encontrando un espacio creciente.

La película argentina "El Mensaje" obtuvo tres premios en el Festival Internacional de Cine de Beijing, mientras que el documental español "Constanza" fue reconocido como Mejor Documental en Shanghai. La coproducción hispano-portuguesa "Una quinta portuguesa" destacó en el Festival Internacional de Cine de la Ruta de la Seda, y la argentina "Lo que trajo la tormenta" recibió el premio al Mejor Guion en Hainan.

Este intercambio cultural se está institucionalizando: el Festival Internacional de Cine de Shanghai y el Festival de San Sebastián firmaron un memorando de entendimiento que contempla recomendación mutua de películas, intercambio de jurados y ampliación de canales de difusión. Anteriormente, la Administración Nacional de Cine de China y el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales de España habían suscrito un acuerdo de cooperación.

El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, ha expresado su expectativa de profundizar la cooperación con los festivales chinos. China representa no solo un espacio de gran potencial comercial, sino también un entorno receptivo para el cine de autor y las producciones independientes, ampliando las posibilidades de circulación internacional para las películas iberoamericanas.

Este fenómeno demuestra cómo el cine puede funcionar como puente cultural colectivo, creando diálogos sostenidos entre tradiciones cinematográficas distintas y fortaleciendo vínculos que trascienden las fronteras geográficas.

DESCUBRIR LA VERDAD: EL THRILLER CUBANO QUE EXPONE LA GUERRA NO DECLARADA

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(★) Cuba.- ¿Qué precio pagaron los héroes anónimos que infiltraron organizaciones terroristas para proteger la soberanía nacional?

Según Cubadebate, la cinematografía cubana estrenó a principios de diciembre  "Nora", un thriller de espionaje inspirado en hechos reales que revela uno de los capítulos más intensos de la lucha por la soberanía nacional. Dirigida por Roly Peña, la película narra la historia de una agente secreta cubana que logró infiltrarse en los círculos más internos de organizaciones violentas con base en Miami, responsables de planificar actos de terror contra Cuba durante décadas.

La trama se desencadena cuando, tras el descubrimiento de la red de infiltrantes "Avispa", la protagonista debe regresar a la isla antes de que su cobertura sea descubierta y su vida corra peligro. Las autoridades culturales destacan el rigor histórico de la producción y su valor como herramienta de memoria, describiéndola como un homenaje a quienes protegen la paz desde las sombras.

Más que un simple thriller, el filme se erige como testimonio cinematográfico que busca sacar a la luz la cruda realidad de estas organizaciones, revelando la otra cara de una guerra no declarada donde el valor y el ingenio de hombres y mujeres anónimos se convierten en el principal baluarte de la nación. El estreno realizado el 3 de diciembre en el Cine Yara, fomentó un profundo debate sobre el poder del cine como instrumento de soberanía cultural e histórica.

EL PRÍNCIPE DE NANAWA TRIUNFA EN LA HABANA: UN DOCUMENTAL QUE CAPTURA UNA DÉCADA DE TRANSFORMACIÓN

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(★) Cuba.- ¿Puede una cámara convertirse en testigo de la vida misma cuando acompaña a un niño durante diez años de su crecimiento?

El documental "El príncipe de Nanawa" de Clarisa Navas obtuvo el Premio Coral al mejor Largometraje Documental en la 46ª edición del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. Según la crítica de Roger Koza publicada en Con los Ojos Abiertos, la película representa un experimento cinematográfico único que sigue a Ángel Stegmayer desde los 9 hasta los 18 años, capturando su transformación física y emocional en la frontera entre Paraguay y Argentina.

La obra nació de un encuentro fortuito en 2015 cuando Navas realizaba un documental para el canal Encuentro y conoció a Ángel, quien defendía con sorprendente madurez el uso del guaraní en su escuela. Según el análisis crítico, la directora tuvo la clarividencia de reconocer que debía seguir filmando a este niño que caminaba con "la elegancia de una imaginaria realeza plebeya", lo que le valió el apodo de príncipe.

El documental, que condensa casi diez años de rodaje en cuatro horas, muestra no sólo el crecimiento de Ángel sino la construcción de un vínculo afectivo único entre el equipo de filmación y el protagonista. La película incluye incluso momentos de conflicto entre Ángel y la producción, evidenciando la honestidad del proceso. Según la crítica, se trata de un "organismo afectivo nacido de un rodaje" donde vivir y filmar se convierten en verbos intercambiables.

La obra destaca por incluir planos filmados por el propio Ángel, incluyendo una secuencia particularmente conmovedora donde su padre, ya anciano, entra y sale del cuadro como presagio de su muerte. Este triunfo en La Habana reconoce no sólo la calidad cinematográfica sino la potencia de un proyecto que valora lo colectivo y social, mostrando cómo el cine puede convertirse en espacio de construcción de comunidad y memoria.

EL CINE CHINO DESAFÍA FRONTERAS CON SUEÑOS COLECTIVOS

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(★) Cuba.- Mientras el mundo occidental renuncia a soñar por vivir más, China construye puentes cinematográficos que cuestionan la esencia misma de la humanidad.

Según el diario Granma, el reciente Festival del Nuevo Cine Latinoamericano en La Habana acogió producciones chinas que evidencian una transformación profunda en la cinematografía del gigante asiático. La película "Resurrección", coproducción chino-francesa de 2025 dirigida por Bi Gan, plantea preguntas fundamentales sobre la capacidad humana de soñar en un futuro distópico donde esta facultad ha sido sacrificada por la longevidad.

El filme, que articula seis historias con estilos que van desde el cine silente hasta las técnicas más contemporáneas, funciona como metáfora del propio cine chino contemporáneo: un arte que ha trascendido sus fronteras para expandirse a nuevas latitudes, temáticas y audiencias. Según el análisis del medio cubano, el cineasta Bi Gan declaró la necesidad de "volver a las cosas tradicionales, antiguas, puras y simples", buscando respuestas a interrogantes básicas de la existencia.

La presencia china en el festival incluyó también "Shen Zhou 13", primer largometraje filmado en el espacio exterior, y "Viviendo la tierra", drama rural sobre transformaciones sociales en los años 90. Esta diversidad temática y tecnológica refleja el impulso estratégico que China ha dado a su industria cinematográfica, integrada en los planes de desarrollo nacional con perspectiva cultural más allá del beneficio económico.

Los datos son elocuentes: según la Administración de Cine de China, los ingresos de taquilla superaron los 7.000 millones de dólares en 2025, con un 81,9% correspondiente a producciones nacionales y 1.194 millones de espectadores. Películas como "Ne Zha 2", con más de 2.000 escenas de efectos especiales y participación de 138 empresas, muestran el desarrollo colectivo del sector.

Como señala Granma, el cine chino contemporáneo construye puentes que desafían la geografía, priorizando el intercambio cultural y respondiendo al llamado del presidente Xi Jinping de crear obras que reflejen el espíritu de los tiempos y expresen las aspiraciones del pueblo. En un mundo donde algunos eligen vivir más renunciando a soñar, China propone, a través de su cine, que siempre será preferible soñar colectivamente.